Alguns dos nomes mais expressivos do início da fase industrial do design, na verdade, não eram designers, e sim, artistas. Nesse post contaremos um pouco de suas histórias e de suas realizações como designers durante a Revolução Industrial.


Charles Le Brun 

Educação: Academia Real de Pintura e Escultura

Período: Barroco 

Obras: Resemblances, Amazing Faces...

Filiação: Julienne Le Blé, Nicolas Le Brun

Charles Le Brun, também dito Lebrun, nasceu em Paris, em 24 de fevereiro de 1619. Iniciou sua formação com o pintor Guillaume Perrier e prosseguiu com Simon Vouet. Em 1642 viajou a Roma e ao longo dos quatro anos seguintes estudou as obras de seu compatriota Nicolas Poussin e dos decoradores barrocos italianos, entre os quais Pietro da Cortona. De volta a Paris, Le Brun foi encarregado da direção de grandes obras decorativas e religiosas. Protegido de Nicolas Fouquet, ministro das Finanças, e mais tarde de Jean-Baptiste Colbert, recebeu em 1661 a primeira encomenda, para Luís XIV, quando pintou "A tenda de Dario", início de uma série de telas sobre a história de Alexandre o Grande. O êxito da obra valeu a Le Brun a nomeação para o cargo de primeiro pintor real. A partir daí, ocupou cargos de grande importância na vida artística da França.

Em 1663, assumiu as funções de diretor dos Gobelins, uma pequena fábrica de tapetes que se tornou fornecedora de quase todas as casas reais da Europa. A função de Le Brun era a de inventeur, ou seja, criador das formas a serem fabricadas. Ele projetava um objeto e a partir dele criava o desenho, que serviria de base para que os mestres-artesãos de suas oficinas fabricassem artigos, como coches, tapeçarias e móveis, em diferentes materiais. (CARDOSO, p. 29)    

 A partir da década de 1660, a decoração de todos os palácios, sobretudo o de Versalhes, foi feita pelo ateliê de Le Brun. Reorganizou a Academia de Pintura e Escultura e criou a Academia Francesa, em Roma. Essas instituições conferiram à arte francesa sua homogeneidade característica. Com a morte de Colbert, em 1683, Le Brun continuou a receber apoio do rei até morrer, em Paris, em 22 de fevereiro de 1690.

Como pintor, desenhista e árbitro da produção artística na França na segunda metade do século XVII,  Le Brun foi um dos maiores responsáveis pela criação de um classicismo homogêneo e acadêmico, cuja influência se estendeu por toda a Europa.

John Flaxmann

John Flaxman (York, 6 de julho de 1755 – Londres, 7 de dezembro de 1826), foi um escultor, ilustrador, professor, ensaísta e desenhista do Neoclassicismo da Inglaterra.

Seu pai, de nome também John, era um escultor. Quando criança teve uma saúde delicada e pouca educação, sendo largamente um autodidata. Os clientes de seu pai tinham simpatia pelo menino, e lhe deram ajuda com livros, conselhos e mais tarde com encomendas. Entre seus admiradores estavam George Romney e Mr. Mathew, em cuja casa entrou em contato com a intelectualidade londrina, incluindo William Blake e Thomas Stothard, que se tornaram seus amigos íntimos. Com 12 nos ganhou o prêmio da Society of Arts por um medalhão esculpido, passando a expor seus trabalhos ao público. Com 15 anos um segundo prêmio lhe abriu as portas da Royal Academy. Iniciando lá seus estudos avançados, logo ganhou uma medalha de prata. Nestes anos também tentou a pintura.

Aos 19 anos, foi empregado por Josiah Wedgwood, trabalhando como free-lancer por quase duas décadas, para ser modelador de frisos, relevos, vasos e medalhões clássicos, gêneros onde conquistou sua fama, executando também alguns bustos e monumentos fúnebres, além disso, produziu em Londres e em Roma desenhos para serem executados na Etrúria, fábrica inaugurada por Wedgwood em 1769, que produzia vasos e peças decorativas inspiradas na Antiguidade, ou seja, peças de luxo, algumas únicas, que se diferenciava do resto do mercado (CARDOSO, p. 23). 

Casou-se em 1782 com Anne Denman, que se tornou uma valiosa assistente em seu trabalho. Em 1878 viajou para Roma, retornando em 1794 como um artista admirado por Canova, Fuseli e Schlegel, continuando a produzir para os salões da Academia inglesa e para encomendas privadas importantes.

Em 1800 tornou-se membro pleno da Royal Academy, e em seguida assumiu uma cátedra de escultura especialmente criada para ele. Foi professor respeitado e seus ensinamentos foram impressos várias vezes. Também escreveu vários artigos sobre arte e arqueologia e produziu ilustrações para poemas de Milton, Homero, Hesíodo e autores chineses. Faleceu considerado um amigo dedicado, um homem amável, honrado e modesto, e um artista genial.

Alfred Stevens

Alfred Geoge Stevens (1817 – 1875), foi um escultor, designer e pintor que nasceu em Blandford Forum, em Dorset, Inglaterra. Seu pai era decorador e marceneiro. Aos 10 anos, começou a trabalhar como assistente de seu pai na oficina. Contudo, com a generosidade do vigário local pôde ir para a Itália, onde passou 9 anos estudando em Nápoles, Bolonha, Siena, Pompeia, Capri, Roma, Milão, Veneza e Florença, estudando por um tempo na Accademia di Belle Arti. Em 1841, Bertel Thorvaldsen contratou-o para trabalhar por um ano em Roma.

Depois de um período significativo de estudo e formação, Stevens retornou a Inglaterra. Em 1845, recebeu a posição de tutor na School of Design em Somerset House, Londres, onde ficou até 1847. Em 1850, foi nomeado designer chefe na firma H.E. Hoole and Co., firma da cidade de Sheffielf especializada em fogões e lareiras de ferro fundido e trabalhos em bronze. Na Hoole and Co., Stevens produziu desenhos para trabalhos em metal, em faiança (louça de barro coberta por um esmalte opaco e estanífero), em ornamentos de terracota e peças de chaminés, dos quais muitos foram premiados. Seu design de maior destaque na Hoole and Co. foi a lareira “Proserpine” (fig. 1), cuja abordagem, com ornamento pouco ou finamente detalhado, incorporando inovações técnicas para reduzir a perda de calor e aumentar a eficiência, era notável. (HESKETT, p. 8). 

Figura 1. Lareira "Proserpine" 

Para a Grande Exposição, Stevens projetou um aquecedor de ar (fig. 2), com a mesma preocupação em conciliar ornamento e utilidade, seus padrões de folhagem perfurados revelavam ao altos níveis de fundição que tornaram a firma conhecida, além disso, eles funcionavam como saídas de ar quente (HESKETT, p. 9)

Figura 2. Aquecedor de ar.

Como escultor, o arco de Green Lanes foi uma de suas maiores realizações. A obra foi ladeada com dois painéis de bronze com esculturas de figuras com o tamanho próximo do natural, olhando orgulhosamente para o público. Alfred Stevens foi uma grande influência para outros artistas e arquitetos em Sheffield, especialmente para Godfrey Sykes.

Ele morreu em Londres, de exaustão por excesso de trabalho e está enterrado no cemitério de Highgate.

Fontes e Referências Bibliográficas:

CARDOSO, Rafael. Uma introdução à história do design. São Paulo: Editora Edgard Blücher LTDA., 2004, 2ª edição, p. 10 - 13.

HESKETT, John. Desenho industrial. Rio de Janeiro: José Olympio, 1998, p. 10 - 26. 

http://www.biomania.com.br/bio/?pg=artigo&cod=1673

https://en.wikipedia.org/wiki/Charles_Le_Brun

https://en.wikipedia.org/wiki/Alfred_Stevens_(sculptor)

http://collections.vam.ac.uk/item/O172538/finial-of-a-fire-dog-sketch-model-alfred-stevens/

       Com o advento da Revolução Industrial e a necessidade de uma produção seriada cada vez mais padronizada, e também com o objetivo de incrementar os lucros, o trabalho passou a ser dividido em estágios. Cada estágio passou a ser responsabilidade de um artesão. As principais vantagens desse sistema são que, para algumas tarefas, poderia ser utilizada mão-de-obra muito pouco especializada, diminuindo os custos, e a divisão de tarefas dava ao fabricante um maior controle sobre a produção.

Início da revolução industrial 

   Logo, já que havia um padrão a ser seguido por diferentes trabalhadores, mais um estágio foi adicionado à produção: o de preparação das instruções para os outros trabalhadores, ou seja, um estágio de design. É aí que se tem, efetivamente, o surgimento de um profissional especializado nessa atividade. É claro que, como qualquer acontecimento histórico, isso não se deu de forma repentina, generalizada e definitiva. Embora suas raízes estejam na tradição artesanal, o surgimento do design não se deu simplesmente por uma evolução linear do trabalho manual à produção mecânica, mas, ao contrário, através de uma constante diversificação, abrangendo uma variedade cada vez maior de novos fatores e influências.

   Os primeiros designers, em sua maioria, emergiram do processo produtivo e eram operários que foram promovidos por experiência ou habilidade e capacidade de produzir os "livros de padrões",a uma posição de controle e concepção em relação às demais etapas do processo de fabricação. Apesar disso, ainda havia uma grande ligação entre o projeto e a produção. A partir daí, houve um processo evolutivo para se chegar a uma separação entre essas partes. Esse processo começa, de certa forma, quando o designer passa a não mais trabalhar dentro da fábrica. Esse profissional tende a se diferenciar dos demais. Ele necessita estar em contato com a alta sociedade e com o gosto dominante. Passa, assim, a morar em grandes centros urbanos e a mandar seus projetos para a fábrica.

     Houve, também, um longo caminho antes do surgimento de um profissional habilitado a conceber projetos de maneira genérica, como se vê atualmente. O início desse processo se deu através dos primeiros ambientes de discussão ou as primeiras escolas de design, como o Arts and Crafts, o Werkbund e a Bauhaus, no final do século XIX e início do século XX. 

Escola de Design Bauhaus 

Fonte: 

http://lounge.obviousmag.org/poerschke/2013/07/quando-surgiu-o-designer.html#ixzz4KcWYBwaL 

A revista foi editada por Henry Cole e seu amigo Richard Redgrave. Tendo o objetivo de melhorar os padrões de indústria britânica, a revista concentrada exclusivamente nas artes decorativas e aplicadas, visando um público de classe média que os editores sentiram a instrução necessária no paladar. A inclusão de amostras reais de tecidos e papéis de parede aumentada recurso e eficácia da revista. Este primeiro volume contém 44 padrões de tecido e mais de 200 gravuras, agora tornando-se o principal recurso maravilhoso para estudantes de design e história social vitoriana.

Mostrado à esquerda é uma rosa e padrão de chita de não-me-esqueças impressos por Swainson e Dennys para Clarkson. Os comentários: "Aqui temos a característica essencial da chita preservado - fundo claro com uma ornamentação de flores naturais ao mesmo tempo alegre e de bom gosto. ' Oposto é uma amostra de chita do Printing Company Strines. Aqui, o "simples fruto é repetido com a simples variação de tamanho e cor, para a produção de um efeito muito agradável. '

O principal objetivo da revista era promover desenho ornamental, e o prefácio declara que representam a maior parte dos principais produtores de decorativo. Escrito em um momento em que padrões de design vitoriano foram decepcionantes, especialmente em produtos feitos por máquinas de fabricação em massa, a revista é uma manifestação da preocupação crescente do período sobre a relação entre a decoração e função. Certamente, o zelo reformatório dos editores brilha quando eles chamam para uma maior cooperação entre arte e indústria, encorajando os designers para alcançar um equilíbrio entre utilidade e ornamento. Esperava-se que a revista se tornaria o livro padrão de todos os fabricantes de decoração - o meio pelo qual os fabricantes poderiam informar os clientes e para o público quais os padrões que eles estavam executando. De acordo com Cole e Richardson, "o primeiro passo para melhorar o design é colocar ao alcance de uma inteligência sistemática do que é realmente produzido" e que, portanto, esperava para apresentar aos tratados de designer em desenvolvimento princípios sólidos de arte ornamental, e para mantê-lo completamente informado de tudo o que é susceptível de ser útil e instrutivo para ele em sua profissão. Nas páginas da revista, os fabricantes e estudantes de design iria encontrar algo como uma tentativa sistemática para estabelecer princípios reconhecidos.

(1808-1882) A carreira de Sir Henry Cole começou no escritório de registros públicos. Sempre interessado em arte e sua aplicação para fins práticos, ele se tornou um membro da Society of Arts em 1846. Ele logo foi eleito para seu conselho, e fez seu presidente em 1850. A Sociedade realizou várias pequenas exposições de fabricações artísticas durante este período, e seu sucesso levou à Grande Exposição de 1851. Diz-se que a maior conquista do Cole estava em conceber e organizar esta exposição, que foi visitado por mais de seis milhões de pessoas durante os cinco meses e meio. Bem como gerando um interesse considerável no design industrial e oferecendo fabricantes um novo impulso, os lucros da exposição foram usados ​​para comprar um lugar para fundar o Museu South Kensington, agora o Victoria and Albert Museum. O museu foi construído a partir de uma pequena coleção de objetos comprados pelo governo da grande exposição, e Cole foi seu primeiro diretor.

Mostrado aqui é um padrão pelo Thomson & Co de Clitheroe e uma amostra impressa para Crocker & Co. Mousselines de laine era um tecido barato de produzir e dentro do alcance de todas as classes. ' Dos numerosos espécimes produzidos por Thomsons, os editores destacar o padrão de acompanhamento impresso em cores únicas como "louvável ... é do tipo mais barato, e seu uso se tornaria quase todos os utente, ricos ou pobres. '

A política de incorporar amostras reais para o jornal teve como objetivo estimular novos avanços no desenho decorativo. Antes de sugerir melhorias, foi necessário para o estado completamente todas as condições da coisa a ser melhorada: as amostras foram, portanto, incluída como uma medida prática uma vez que "mesmo o menor pedaço de qualquer tecido em si é mais próximo da realidade do que qualquer descrição verbal ou diagrama incolor . ' Diagramas, no entanto, foram utilizadas, se uma amostra não era possível. Desta forma, 'o valor de opiniões pode ser testado na presença dos objetos criticados. É como uma sentença pronunciada sobre depoimento em audiência pública. ' Como está implícito, a revista não era apenas uma vitrine para os produtos, mas foi muitas vezes crítica dos exemplos incluídos. A cor do papel de parede mostrada à esquerda, por exemplo, é criticado por ser muito bruto, embora os editores admitem que deve o tom do verde ser feita mais quente, o padrão seria 'calculado para uso extensivo popular'. O padrão papel de musselina mostrado à direita, enquanto isso, só recebe elogios: 'Para salas de aspectos sul e sudoeste, em residências país, um papel mais limpa, tranquila, mas animada para o futuro não pode ser desejado. É particularmente bem adaptado para boudoir de uma senhora, e também teria a vantagem de ampliar a aparência de qualquer sala onde ele foi usado. "

Bem como descrever produtos fabricados por empresas britânicas, as importações também foram destacadas pela revista. Os cambraias suíços impressos por Frères e Koechlin em Malhausen são apontados como sendo "meritório para uma boa mistura de cores e padrões muito arrumado". O padrão de brilhantina (ou muslinette) desenhado por Gros Odier, Roman & Co também é elogiado: "esta pequena grinalda de rosas visto a uma distância tem um pouco o efeito de uma fralda plana e bem distribuídas; Não desigual, e, portanto, bem calculado para mostrar a forma de vantagem; enquanto que a sua execução perfeita dá prazer em cima de uma inspeção perto '

Ao rever tecidos atuais e enfeites de papel ocupa uma grande parte da revista, há também secções dedicadas à cerâmica, vidro e metais. comentários livros, notícias de instituições e papéis originais também são intercaladas durante todo o volume. Esses papéis, sobre temas tão diversos como direitos autorais, ornamento e desenho para as crianças, eram outra saída para a visão dos editores da reforma no design. Através de educar os fabricantes e público em geral, desta forma, foi a sua crença de que "em poucos anos, boa arte será reconhecido para ser tão característica uma característica da britânica fabrica como a excelência do seu make já é."

Fonte do texto: http://special.lib.gla.ac.uk/exhibns/month/aug2001.html

Um dos terrenos em que a pasteurização globalizante se manifesta é na ornamentação arquitetônica. Qualquer prédio na Avenida Faria Lima, na Unter den Linden, na Quinta Avenida, em Kuala Lumpur ou em Shangai poderia ser transplantado para qualquer outro lugar sem que destoasse.
No passado não era assim. Toda civilização minimamente desenvolvida produziu um estilo próprio de ornamentação.

[A Universidade de Wisconsin não pertence ao circuito das escolas de grande prestígio. Não obstante, mantém esse tipo de iniciativa. Algo que americanos (mais) e europeus (menos) criam aos montes, às vezes iniciado com trabalho voluntário. É algo impensável em nossa medíocre academia.]

Embora, obviamente, o contacto entre culturas (pelo comércio ou pela absorção mais ou menos violenta dos impérios uns pelos outros) resultasse na transmissão de influências e na apropriação de técnicas, materiais e estilos, o caráter de cada civilização era visível nos ornamentos dos edifícios, monumentos e mausoléus.

Num desses esforços de compilação de que só ingleses e alemães eram capazes, em meados do século 19 o arquiteto londrino Owen Jones (1809-1874) coletou ao redor do mundo exemplos de ornamentação. Escreveu vastamente. Sua obra seminal é The grammar of ornament, que pode ser consultada em edição virtual facsimilar no sítio da Digital Library for the Decorative Arts and Material Culture da Universidade de Wisconsin (EUA).

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Na Gramática do Ornamento, Jones procurou formalizar os princípios básicos da criação de padrões repetitivos conforme se manifestavam na ornamentação. Formulou 37 desses princípios. Basicamente, se trata do que hoje se denomina “tesselação”. Um artista moderno que se notabilizou por explorar a tesselação foi o holandês M. C. Escher.

A obra de Jones contém inúmeras pranchas com exemplos de ornamentação das principais culturas da antiguidade remota e do passado mais recente. Algumas são reproduzidas nesta página. De cima para baixo e da esquerda para a direita, os exemplos são: árabe, egípcio, celta, assírio, grego, bizantino, indiano e persa.

Fonte do texto: http://claudioabramo.ig.com.br/index.php/2009/05/30/gramatica-do-ornamento/

Nasceu em Glasgow, na Escócia, em 1834. Como seus pais eram ingleses, aos treze anos foi estudar na School of Design de Londres, lugar onde recebeu a influência de grandes precursores do design como Richard Redgrave, Henry Cole, Owen Jones e Matthew Digby Wyatt.

Durante seus estudos, Dresser teve contato com a, então, nova disciplina de botânica, e por alguns anos seu foco esteve voltado para ela. Ele foi professor de botânica na School of Design para mulhere e, em 1859, obteve seu doutorado na área pela University of Jena, na Alemanha. No ano de 1860, foi eleito membro da Sociedade Botânica de Edimburgo, e um ano mais tarde, membro da Linnean Society.

Como designer, Dresser encontrou inspiração nas plantas e em suas estruturas, determinando que elas eram geometricamente equilibradas. A partir daí ele deu uma guinada em seus estudos científicos se aproximando mais da arte e do design. Acreditava que a verdade era tratada pela ciência e que a arte refletia a beleza. Esse estudo o levou mais longe que seu mentor, Owen Jones, que procurava formular regras para tornar o design uma expressão das necessidades e sentimentos da época, pois passou a rejeitar representações e soluções estilísticas (HESKETT, p. 10).

 Em meados de 1860, Dresser abandonou a botânica, se dedicando para a criação de formas e ornamentos uma uma grande quantidade de manufaturas na Grâ-Bretanha, França e Estados Unidos, e trando dos obstáculos e dos pontos fortes da máquina para a fabricação de objetos utilitários domésticos. Além disso, ele era importador e varejista de mobiliários.

Utilitário doméstico geometricista.

Associado ao movimento de reforma do design na segunda metade do século XIX, Christopher Dresser é considerado o primeiro designer industrial da história. Ele publicou vários livros, artigos e palestras sobre o design apropriado para a produção industrial, entre os quais estão: A Arte do Design Decorativo (1862); Princípios do Design Decorativo (1873); Estudos em Design (1876); e, Ornamentação Moderna (1886).

Além da inspiração da botânica, seu design também foi muito influenciado pela arte japonesa, da qual era admirador incansável.

Jarro de inspiração nipônica.

Referências Bibliográficas:

HESKETT, J. Desenho industrial. Rio de Janeiro: José Olympio, 1998, P. 25.

OSHINSKY, Sara J. “Christopher Dresser (1834–1904).” In Heilbrunn Timeline of Art History. New York: The Metropolitan Museum of Art, 2000–. http://www.metmuseum.org/toah/hd/cdrs/hd_cdrs.htm (October 2006)

VITORIANO

• Marcado por excessos 
• Ambientes lotados
• Muitos detalhes com linhas curvas

ARTS AND CRAFTS

• Defendia o artesanato criativo em detrimento a mecanização industrial
• Busca revalorizar o trabalho manual 
• Recupera a dimensão estética dos objetos produzidos industrialmente para uso cotidiano

ART NOUVEAU

• Ornamentação fluída
• Linhas hiperbólicas e parabólicas 
• Contornos fortes e evidentes

         

O INÍCIO DO MODERNO

• Desenhos básicos (silhuetas)
• Início da publicidade moderna
• Mensagem deveria ser rápida e moderna

Se pensar em porcelana Wedgwood, você provavelmente pensará em Jasperware. Esse é o material de que potes, pratos, placas e enfeites de Wedgwood clássicos são feitos. Jasperware é encontrado em vários tons, mas é mais conhecido na cor chamada de Wedgwood azul. Ele é tradicionalmente decorado em relevo branco com figuras de estilo grego, bosques, floresta e cenas mitológicas.

Outros tipos de porcelana Wedgwood são o Creamware, também conhecido como Queen's Ware, e Black Basalt, também conhecido como Basaltes.

Josiah Wedgwood (1730-1795) veio de uma família de oleiros de Staffordshire, na Inglaterra. Centrado em torno das "Seis Cidades", que agora compõem a Stoke-on-Trent, essa área ainda é conhecida hoje em dia como As Olarias.

Josiah tinha uma habilidade especial com a roda de oleiro. Ele também era um excelente homem de negócios e um grande inovador, tanto técnica como artisticamente. Uma de suas primeiras invenções, segundo o site "The Potteries", foi o "aperfeiçoamento do esmalte verde, ainda popular nos dias de hoje.

Se fosse um jovem rico na Europa do século 18, você teria passado pela Grand Tour para completar sua educação. O destaque cultural dessa viagem pela Europa era uma visita à Roma.

O que os visitantes britânicos viram e desenharam lá inspiraram a arquitetura e o design neoclássico quando eles voltaram para casa. Isso levou à construção de muitos edifícios neoclássicos por arquitetos como Robert Adam. Josiah Wedgwood também foi um dos expoentes do movimento neoclássico.


Josiah Wedgwood se inspirou no vaso de Portland para criar seu Jasperware. Esse lindo objeto está agora no Museu Britânico em Londres. Eles o descrevem como "o mais famoso vaso de vidro da antiguidade" e acreditam que ele tenha mais de 2000 anos. O vaso retrata uma cena de figuras em pé e sentadas, provavelmente ilustrando uma história da mitologia grega.

O Vaso de Portland foi trazido da Itália até a Inglaterra em 1778. A família Portland, em seguida, comprou-no. O Duque de Portland da época entregou o vaso para Josiah Wedgwood. O famoso oleiro fez várias cópias do vaso de Portland e se inspirou nele na criação de seu Jasperware.


A Queen's Ware foi um dos primeiros grandes sucessos de Josiah Wedgwood. Ela tinha cor creme, decorada de forma simples e durável, fazendo dela uma louça ideal. A Queen's Ware vendia como água, dando à Josiah a base financeira para que ele fizesse suas inovações no design e fabricação das porcelanas.


O Black Basalt foi inspirado no mundo antigo, às vezes sendo chamado de "louça egípcia. Josiah Wedgwood não a usava como louça, e sim para fazer vasos, castiçais e bustos de pessoas famosas da história.

A empresa Wedgwood continua fabricando Queen's Ware, Black Basalt e Jasperware hoje em dia. Esses artigos de porcelana tradicionais podem ser vistos em exibição permanente no Centro de Visitantes e no museu de Wedgwood em Stoke-on-Trent na Inglaterra.

O museu de Wedgwood também possui um excelente site com diversas ilustrações de porcelana Wedgwood.







Fonte do texto: http://www.ehow.com.br/historia-ceramicas-wedgwood-sobre_270147/